Arte │ Kay Sage: la impasible tensión de lo eterno

La pintura de Kay Sage es expresión de un drama interno y un confinamiento psicológico totalmente únicos en la historia del surrealismo.

Aunque fue una figura relevante en la escena surrealista, especialmente tras su regreso a Estados Unidos a inicios de la Segunda Guerra Mundial, Kay Sage (1898-1963) desarrolló un estilo y una temática muy personales, caracterizados por la desolación, el vacío y el silencio. Mientras otros artistas dentro de ese movimiento exploraban la sexualidad o se complacían en obras que intentaban provocar escándalo, Sage se centró en la melancolía y el desasosiego.

Son notables en ella su preferencia por los colores fríos y la austeridad de sus vastos paisajes, donde resaltan, casi absurdas, las monumentales formas de una arquitectura con frecuencia enrevesada y rígida. La ausencia de seres vivos, la inmensidad del desierto, la dureza de las líneas y el contraste, elementos recurrentes en su obra, sugieren un drama interno y un confinamiento psicológico que es totalmente único en la historia del surrealismo.

Si bien es cierto que su trabajo muestra una clara afinidad con la pintura metafísica de Chirico, conocido también por sus plazas vacías y sus inquietantes estructuras arquitectónicas, o con la de su esposo, Yves Tanguy ―con quienes fue a menudo comparada―, Kay Sage se diferencia de ellos por la fuerza cortante de sus representaciones geométricas y por la intensidad expresiva que le imprimió a sus entornos, atemporales e inmóviles, como los restos de una civilización ya extinta. Con ellos, Sage coloca al espectador ante el abismo de su propia existencia.

Su pintura, como los acertijos de la Esfinge, nos insta a pensar en la impasible tensión de lo eterno y en la pequeñez humana ante la inmensidad de lo desconocido.

Vea a continuación una galería con once de sus obras más relevantes.