10 películas de 2024 que desafían las narrativas tradicionales

“Estas obras amplían la frontera de lo que puede contar el cine e iluminan las experiencias y luchas que definen a las mujeres en contextos diversos.”

El cine ha demostrado ser un vehículo poderoso para cuestionar las estructuras patriarcales, abrir diálogos necesarios y presentar perspectivas disruptivas sobre la experiencia femenina.

Desde Alas Tensas, proponemos un recorrido por diez películas estrenadas en 2024 que desafían las narrativas tradicionales del cine. Estas obras, dirigidas o protagonizadas por mujeres, no solo amplían las fronteras de lo que puede contar el cine, sino que también iluminan las experiencias y luchas que definen a las mujeres en contextos diversos. Cada una de ellas invita a reflexionar, emocionar y resistir, convirtiéndose en piezas clave para abrir el debate sobre la igualdad y la autonomía femenina.

Con esta selección, reafirmamos nuestro compromiso con visibilizar voces que transforman y con construir un espacio para el cambio desde el arte y la cultura.

1. La Virgen Roja

Inspirada en la trágica historia de Hildegart Rodríguez, una joven prodigio española asesinada por su madre, esta película nos transporta a los dilemas de la época en torno a la emancipación femenina. Su directora, Paula Ortiz, recrea de manera poética y cruda un relato sobre el control de los cuerpos y las mentes de las mujeres. Con un estilo visual que combina el simbolismo y la narrativa histórica, Ortiz no solo rescata a una figura olvidada, sino que también cuestiona la perpetuación del patriarcado a través de las estructuras familiares.

Este filme es una invitación a repensar las dinámicas de la maternidad y cómo esta puede convertirse en un espacio de sometimiento y tiranía, revelando las estructuras de control que perpetuamos desde los feminismos al distorsionar su esencia de libertad y apertura. La Virgen Roja es un grito de denuncia contra las expectativas sociales impuestas a las mujeres, resaltando cómo estas pueden convertirse en prisiones incluso dentro de los espacios de lucha. Una obra imprescindible para reflexionar sobre el papel de las mujeres en la historia.

Sin embargo, la película ha sido criticada por no representar a las protagonistas con sus características físicas reales, en particular, al suavizar la imagen de una mujer que era descrita como gorda, lo que refleja una tendencia a eliminar la complejidad física en favor de una visión estéticamente más convencional. Este detalle ha generado debates sobre cómo el cine puede transformar o borrar realidades históricas importantes.

2. Mamífera

Este filme es una exploración íntima y profundamente honesta de la maternidad, que se aleja de los estereotipos idealizados que dominan las narrativas habituales. Liliana Torres presenta a mujeres que se enfrentan a una maternidad deseada, impuesta o incluso rechazada, mostrando las contradicciones internas que emergen en cada situación. La película plantea preguntas incómodas sobre los roles que la sociedad asigna a las mujeres, especialmente el de cuidadoras, y cuestiona la existencia de un “instinto maternal” universal.

Con una narrativa minimalista y actuaciones conmovedoras, Mamífera invita a reflexionar sobre la autonomía corporal y emocional en un mundo que sigue imponiendo expectativas sobre las mujeres. Torres logra una obra que es a la vez personal y universal, abriendo un espacio para el debate sobre las elecciones femeninas en torno a la reproducción.

3. La sustancia

Dirigida por Coralie Fargeat, La Sustancia sigue a una científica que, en su afán por desafiar los límites de la moralidad y la naturaleza, crea una forma de vida artificial, lo que desata consecuencias inesperadas. A través de esta narrativa de ciencia ficción, Fargeat aborda temas como la ambición humana, la dominación sobre la naturaleza y, especialmente, el control sobre los cuerpos femeninos en un mundo regido por estructuras patriarcales.

La película no solo es un thriller de terror, sino también una crítica profunda a las jerarquías de poder que han relegado a las mujeres a roles de objeto en lugar de creadoras. Con una dirección que combina suspenso y una reflexión filosófica sobre el poder, La sustancia destaca por su capacidad para subvertir las expectativas del género. La película propone un cuestionamiento de la autonomía femenina, al mismo tiempo que aborda las consecuencias de tratar de imponer un control absoluto sobre la vida y el cuerpo. Sin embargo, también ha recibido críticas por su enfoque excesivo en el gore y la violencia, lo que puede resultar perturbador para algunos espectadores.

4. All We Imagine as Light

Payal Kapadia, conocida por su estilo experimental, entrega en All We Imagine as Light una obra profundamente contemplativa que mezcla documental y ficción. La película aborda la migración femenina, las secuelas del colonialismo y los lazos familiares que se desvanecen con la distancia. A través de un enfoque onírico, Kapadia retrata las vidas de mujeres que buscan reconstruir su identidad en tierras extrañas, enfrentándose al racismo, la xenofobia y las presiones de los roles de género. La narrativa, acompañada de una cinematografía evocadora, transporta al espectador a un espacio intermedio entre lo real y lo imaginado, desafiándolo a cuestionar las barreras que definen la pertenencia y la autonomía. All We Imagine as Light es una experiencia sensorial y emocional que pone en el centro las voces silenciadas de las mujeres migrantes.

5. Poor Things

Poor Things, dirigida por Yorgos Lanthimos, es una adaptación de la novela homónima de Alasdair Gray. La historia sigue a Bella Baxter (Emma Stone), una mujer resucitada por el Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe) en un mundo victoriano distópico, quien busca redescubrir su identidad y desafiar las normas sociales que restringen a las mujeres. Emma Stone entrega una actuación magistral como protagonista, representando a una mujer que encarna los deseos de libertad y autodefinición en un entorno hostil. Con su estilo visual surrealista y una narrativa que combina humor, drama y crítica social, Lanthimos ofrece una obra que cuestiona las estructuras patriarcales y celebra la resiliencia femenina. Poor Things es una película que, a través de su extravagancia, nos invita a reflexionar sobre la igualdad de género y la lucha por la autonomía.

6. Priscilla

En Priscilla, Sofia Coppola explora la vida de Priscilla Presley desde una perspectiva íntima, alejándose del glamour que suele rodear a figuras icónicas del entretenimiento. La película narra la compleja relación entre Priscilla y Elvis Presley, enfatizando las dinámicas de poder y control presentes en su matrimonio. Con la sensibilidad propia de Coppola, el filme captura la lucha interna de Priscilla por encontrar su propia voz en un mundo que constantemente la define a través de su relación con Elvis. Las actuaciones, junto con una dirección artística impecable, ofrecen una visión crítica sobre el peso de la fama y las expectativas de género. Priscilla es una obra que humaniza a una mujer muchas veces reducida a un personaje secundario, destacando su resiliencia y deseo de autonomía.

7. Love Lies Bleeding

En este drama, dirigido por Rose Glass, se explora una relación apasionada y destructiva entre dos mujeres, una culturista y una trabajadora de gimnasio, cuyo amor se ve envuelto en un torbellino de violencia, esteroides y un ambiente de alta competitividad. Con una estética ochentera y referencias cinematográficas a filmes como Showgirls y Fiebre del sábado por la noche, Glass crea una atmósfera inquietante, mientras que Kristen Stewart ofrece una actuación intensa. La película destaca por su audacia y su enfoque crudo sobre temas de identidad, poder y deseo.

Loves Lies Bleending, con tintes queer, también se convierte en un reflejo de la presión sobre las mujeres en ambientes dominados por estándares de belleza y perfección. La estética visual y el enfoque dramático sumergen al espectador en una experiencia emocionalmente intensa, que invita a reflexionar sobre la naturaleza destructiva de los vínculos personales y profesionales.

8. Nina

Dirigido por Andrea Jaurrieta, Nina es un western contemporáneo protagonizado por Patricia López Arnaiz. La trama sigue a Nina, quien regresa a su pueblo costero para vengarse de un hombre que arruinó su vida cuando era joven.

Jaurrieta, con una narrativa tensa y directa, se enfoca en los dilemas morales que enfrenta Nina, quien se ve atrapada en un conflicto interior. A través de un tratamiento realista y doloroso, la directora aborda temas como la violencia sexual, la justicia y la reconstrucción de identidades rotas, dotando a su película de una complejidad emocional poco común en el género. La violencia y la venganza, elementos típicos del western, son aquí utilizados como pretexto para profundizar en la psicología de los personajes, cuestionando las motivaciones y las consecuencias de sus acciones. Nina destaca por su autenticidad y su capacidad para generar reflexión sobre la condición humana.

9. La habitación de al lado

Pedro Almodóvar, conocido por su sensibilidad hacia los temas de género, presenta La habitación de al lado. Este filme es el primero de Almodóvar rodado en inglés y es una adaptación libre de la novela Cuál es tu tormento, de Sigrid Nunez. Almodóvar nos ofrece una exploración introspectiva sobre la relación entre dos mujeres, interpretadas por Julianne Moore y Tilda Swinton. Ambos personajes enfrentan juntos la muerte, en una trama que abre puertas a la reflexión sobre el duelo, la vida, los lazos humanos y la redención. La película también explora temas como la muerte digna, la amistad en la madurez y la crítica al sistema actual. Aunque la dirección de Almodóvar sigue siendo característicamente detallada y cuidadosa, las críticas señalan que el filme peca de frialdad emocional, impidiendo que la trama logre la conexión profunda que se esperaba. La película parece más distante, y aunque las interpretaciones de Moore y Swinton son alabadas, algunos consideran que la falta de intensidad emocional la limita.

10. Emilia Pérez

Es una obra que mezcla el drama, la música y el género queer, siguiendo la historia de un narcotraficante que atraviesa una transformación hacia el género femenino. Esta cinta, que se presenta como un narco-musical, ha captado la atención en festivales internacionales, gracias a su estilo visual y sonoro. Selena Gómez, Zoe Saldaña y Karla Sofía Gascón son parte del elenco que ha recibido elogios por sus interpretaciones. A pesar de la originalidad de esta propuesta dirigida por Jacques Audiard, la película ha generado opiniones divididas en redes sociales, donde algunos usuarios critican su enfoque y la narrativa. A través de una trama que fusiona el trap con el folklore mexicano, Emilia Pérez se posiciona como una obra provocadora que desafía las convenciones del cine comercial. La película no solo destaca por su perspectiva queer, sino también por su valentía al abordar temas complejos dentro de un contexto cultural y musical mexicano.