Lista | 15 directoras que han marcado la historia del cine

En casi cien años, solo 8 mujeres han sido nominadas a Mejor Dirección en los Premios Óscar, de ellas, solo 3 ganaron la estatuilla.

Desde su primera entrega en 1929, hace casi cien años, solo ocho mujeres han sido nominadas a Mejor Dirección en los Premios Óscar: Lina Wertmüller por Pasqualino Siete Bellezas (1976), Jane Campion por The Piano (1993) y por El poder del perro (2021), Sofia Coppola por Lost in Translation (2003), Kathryn Bigelow por The Hurt Locker (2009), Greta Gerwig por Lady Bird (2017), Emerald Fennell por Promising Young Woman (2020), Chloé Zhao por Nomadland (2020) y Justine Triet por Anatomía de una caída (2023). De ellas, solamente Bigelow, Zhao y Campion ganaron la estatuilla.

Según la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA), las mujeres representan un 37% del total de profesionales que se dedican al sector cinematográfico de largometrajes en español. Solo un 21% de largometrajes españoles son dirigidos por mujeres, y se ha identificado que los largometrajes liderados por mujeres suelen presentar proyectos de menor coste.

Las directoras que presentamos a continuación han contribuido significativamente a la representación y valorización de la mujer en el cine, con sus propias historias y las diversas y complejas historias de sus protagonistas.

Alice Guy, madre del cine argumental

Considerada la madre del cine argumental, Alice Guy es también una de las más prestigiosas realizadoras del cine silente junto con Griffith, Murnau y Méliès. A pesar de que a Thomas Alva Edison, W.K.L. Dickson y los hermanos Auguste y Louis Lumière se les reconoce como los padres oficiales del cine, y a los Lumière también se les acredita como los padres del cine documental, fue Alice Guy quien, desde que filmó a una mujer vestida de hada sacando bebés de unas hojas de repollo (El hada de las coles, 1896), hizo que el cine dejara de ser un reflejo de la realidad para convertirse en el eje transformador que ha sido por más de un siglo.

Todos los directores posteriores, desde Orson Welles y Alfred Hitchcock, hasta Steven Spielberg y Quentin Tarantino, le deben sus carreras a la primera directora en la historia del cine. Junto a su marido, fundó la compañía Solax, el mayor estudio de Estados Unidos antes de la era Hollywood y el único dirigido por una mujer, aunque por los preceptos de la época todo estaba a nombre de su marido, incluyendo las películas dirigidas por ella. Esto inició una competitividad muy dura e insana entre la pareja que terminó en divorcio, algo poco común para una mujer de los años 20.

Germaine Dulac, la génesis del cine experimental

A Germaine Dulac se le considera la segunda directora en la historia del cine, luego de Alice Guy. Su obra maestra, La caracola y el clérigo (1928), evidencia la obsesión de la directora por crear un “cine puro”, alejado de los intereses de la literatura y el teatro, al margen de las estructuras narrativas y dramáticas convencionales. En su interés por la fascinación plástica que produce la imagen en movimiento, Germaine Dulac declara: “Busco hacer películas de acuerdo a las reglas de la musicalidad visual”. El cine experimental, vanguardista y surrealista que ha estado relacionado con Luis Buñuel y Salvador Dalí como pioneros, le debe su nacimiento a esta directora francesa. Germaine Dulac también fue una de las figuras más importantes del feminismo en los años veinte y parte integral del movimiento sufragista europeo.

Eleanora Derenkowsky, psicoanálisis y surrealismo

Más conocida como Maya Deren, esta directora ucraniana, nacionalizada como estadounidense, fue bailarina, escritora, poeta y coreógrafa. Su obra Un falso despertar (1943), dirigida con su esposo, el también cineasta Alexander Hammid, en la que exploró aspectos íntimos de la psicología femenina mediante ciertos arquetipos junguianos, fue premiada en Cannes y es una de las películas más destacadas del siglo XX. En la pieza, una mujer, desde el sillón de su casa, se sumerge en un estado onírico en el que aparecen varios elementos cotidianos de forma reiterada como un cuchillo, un teléfono y unas escaleras. Maya Deren producía y dirigía películas de un corte y carácter psicoanalítico y surrealista, lo que le valió el reconocimiento como pionera en el cine experimental durante la década de los 40 del siglo XX.

Lina Wertmüller, la primera mujer nominada a los Óscar como directora

La primera mujer nominada a los premios Óscar como Mejor directora fue Lina Wertmüller, gracias a su magnífica cinta Pasqualino Siete Bellezas (1975). La película, como una especie de poema grotesco, combina el humor y el drama, la ironía y el cinismo, y la comedia y la tragedia en una trama que persigue rescatar el honor de un hombre a cuya hermana han obligado a prostituirse.

Heredera y a la vez antagonista del cine de Fellini y Pasolini, sus obras, socialmente, políticamente y sexualmente comprometidas, como La seducción de Mimi (1972), Amor y anarquía (1973) e Insólito destino (1974), subvierten los valores convencionales de la familia, la masculinidad, la identidad de género, la consciencia de clase y el capitalismo. Esto hace que Wertmüller sea una autora muy adelantada a su tiempo. Respecto a su criterio sobre el cine hecho por mujeres declaró que “La diferencia está entre hacer una buena y una mala película. No deberíamos hacer ninguna otra distinción”.

Agnès Varda, pionera del cine feminista

Pionera del cine feminista, la obra de Agnès Varda abrió una brecha para que Truffaut, Godard, Resnais y Chabrol, conformaran el movimiento más influyente en la historia del cine: La Nueva Ola Francesa. En su magistral obra Cléo de 5 a 7 (1957), Agnès Varda se inspira en la frase “No se nace mujer, se llega a serlo”, de Simone De Beauvoir. En Sin techo ni ley (1985), otra obra maestra, Varda fusiona los principales intereses de su cine: la emancipación femenina, la conexión con la naturaleza y la búsqueda de libertad.

El cine de Varda resaltó la lucha por la libertad de las mujeres. Así lo evidencia el largometraje Una canta, la otra no (1997) en la que establece una crítica de las enormes dificultades que la propia sociedad impone a las mujeres sobre la decisión del aborto. En 2017 recibió el Óscar Honorífico por su carrera como una de las cineastas más importantes de la historia.

Kathryn Bigelow, la primera mujer en ganar el Premio Óscar a Mejor Dirección

Directora de The Hurt Locker (Vivir al límite) (2009), Kathryn Bigelow fue la primera mujer en ganar el Premio Óscar a Mejor Dirección. Comenzó su carrera artística como pintora, fue miembro del grupo de artistas conceptuales Art and Language y editó la revista teórica Semiotext. También fue agente de policía antes de dedicarse al cine.

Kathryn Bigelow está considerada como una directora atípica, pues sus películas pertenecen al cine de acción, bien sea bélico, futurista, thriller e, incluso, de terror. Otro de sus grandes éxitos fue Detroit: zona de conflicto (2017), un filme dedicado a las revueltas antirracistas en esa ciudad en la década del 60. Su Óscar a la Mejor Dirección se lo debe a The Hurt Locker, que relata el día a día de una brigada estadounidense de artificieros desplegada en Irak, y fue universalmente alabada por la crítica como una de las mejores películas bélico-dramáticas del cine moderno.

Jane Campion, la primera mujer nominada dos veces al Óscar como directora

Directora, guionista y productora de cine neozelandesa, Jane Campion es una de las siete mujeres que han sido nominadas al Óscar como directoras de cine y una de las únicas tres en ganarlo con su película El poder del perro (2022). Es también la primera mujer nominada dos veces al Óscar a la Mejor Dirección. Fue la primera cineasta en recibir la Palma de Oro por El piano (1993), que estuvo nominado a Mejor Dirección, pero se alzó con el de Mejor Guion Original en los Óscar.​

A Campion se le conoce por las películas Un ángel en mi mesa (1990), basada en las tres autobiografías de la novelista y escritora neozelandesa Janet Frame;  Holy Smoke! (1998) y Bright Star (2009), además de co-crear la serie de televisión Top of the Lake (2013), que se basa en la desaparición de una niña de 12 años que está embarazada de cinco meses.

Isabel Coixet, una mirada sobre el abuso sexual y el empoderamiento

Una de las cineastas españolas más conocidas e importantes de los últimos años es Isabel Coixet. A lo largo de su carrera ha obtenido 8 premios Goya con Mi vida sin mí (2003) en la categoría de mejor guion adaptado y La librería (2018), entre otros. Una de sus obras más importantes es su documental El Sostre Groc (El techo amarillo) (2022), donde narra la desgarradora experiencia de un grupo de mujeres que, durante su infancia, fueron abusadas sexualmente por su profesor de interpretación mientras formaban parte de un grupo de teatro en Lleida.

Isabel Coixet eligió contar esta historia en un momento en el que la conversación global sobre el abuso sexual y el empoderamiento de las víctimas estaba en su apogeo gracias al movimiento “Me Too”. Otras de sus preocupaciones son los constantes obstáculos a los que se enfrentan las mujeres en el cine, los cuales ella misma ha sufrido: tardó 8 años en lograr una subvención para una de sus películas.

Lucrecia Martel, la directora argentina más importante de todos los tiempos

Considerada la directora argentina más importante de todos los tiempos y del cine latinoamericano actual, Lucrecia Martel, con su estilo particular, cambió la forma de hacer cine en los países de habla hispana, incluyendo a España. Su filosofía “anticomercial”, su rechazo hacia la idea promovida por directores como Tarantino de usar a otros autores como punto de referencia, así como su rotunda oposición a las películas de superhéroes por la falta de libertad artística que asegura que tienen, dan fe de su carácter artístico.

Autora de La ciénaga (2001), aclamada por la crítica internacional y reconocida como la mejor película argentina de todos los tiempos; el drama adolescente La niña santa (2004); el thriller psicológico La mujer sin cabeza (2008), que alcanzó el puesto 24 en la lista de las 100 mejores películas del cine argentino publicada en 2022; y Zama (2017), un drama histórico basado en la novela homónima de Antonio Di Benedetto; sus obras ponderan el protagonismo de las mujeres y sus conflictos cotidianos.

Sofia Coppola, estilo visual único y narrativas femeninas complejas

Directora de Las vírgenes suicidas (1999), Perdidos en Tokio (2003), con la que ganó un Óscar a Mejor Guion Original; María Antonieta (2006); En un lugar del corazón (2010); Ladrones de la fama (2013); El seductor (2017) y En las rocas (2020), Sofia Coppola es la tercera mujer nominada a mejor director por la Academia de los Óscar.

Conocida por su estilo visual único y narrativas femeninas complejas, Sofia debutó en el cine como actriz infantil, encarnando a la bebé en la escena del bautizo en El padrino, y apareció en otras siete cintas más dirigidas por su padre, el prestigioso Francis Ford Coppola. Tras una entrada desafortunada como actriz, decidió redirigir su profesión y convertirse en directora.

A diferencia de la filmografía de su padre, las obras de Sofia Coppola son uniformes, colmadas de identidad y construidas con una notable exquisitez. En el Festival de Cine de Cannes de 2017, se convirtió en la segunda mujer, y primera mujer estadounidense, en la historia del festival en ganar un galardón a mejor dirección gracias a su trabajo en la cinta El seductor.

Patty Jenkins, la primera mujer en dirigir películas de superhéroes

La crítica destaca a la cineasta estadounidense Patty Jenkins como la primera mujer en dirigir películas de superhéroes. Wonder Woman (2017), que es una superheroína, recaudó más de 822 millones de dólares, convirtiéndose en un auténtico taquillazo a nivel mundial. La trama de Wonder Woman está basada en el personaje homónimo creado por el psicólogo William M. Marston, feminista y defensor de la liberación sexual que se inspiró en Margaret Sanger, fundadora de la revista The Women Rebel en 1914 y de la primera clínica de control de natalidad de EE. UU. en 1916.

Además de los premios, este filme destaca por la reivindicación de un personaje femenino poderoso que las Naciones Unidas designó como Embajadora Honoraria para el Empoderamiento de las Mujeres y las Niñas. Patty Jenkins, que también ha dirigido dos sagas de La guerra de las Galaxias (2023), ya había dirigido en 2011 un corto que se integró a la pieza Five, en la que 5 cortometrajes dirigidos por ella, Jennifer Aniston, Demi Moore y Penelope Spheeris, abordan el impacto del cáncer de mama en la vida de las persona.

Ava DuVernay, inclusión y dignidad

Actriz, productora, guionista y directora estadounidense, Ava DuVernay es reconocida por la manera en la que exige la paridad de trabajadores en las películas que produce y dirige. Con su accionar, trata de promover y concienciar acerca de la inclusión de la mujer en el cine. Fue la primera mujer afroamericana en ganar el Premio a la Mejor Dirección en el Festival de Sundance con su largometraje Middle of Nowhere (2012), en el que una enfermera afroamericana se esfuerza por mantener su matrimonio y su identidad cuando su marido acaba de ser condenado a 8 años de prisión.

Su filme Selma (2014), acerca del cual declaró que era una conmovedora historia de “gente que lucha por la libertad y de personas que creen en la justicia y la dignidad”, fue nominado a mejor película en los premios Óscar. Otra de sus piezas, Una arruga en el tiempo, basada en la novela homónima de Madeleine L’Engle, fue criticada por el uso excesivo de imágenes creadas en computadora, pero fue celebrada por su mensaje de empoderamiento femenino y de diversidad.

Dee Rees, raza, género y sexualidad

Guionista y directora de cine estadounidense, reconocida por sus largometrajes Pariah (2011), Bessie (2015) y Mudbound (2017), Dee Rees aborda temas de raza, género y sexualidad. Dee Rees es la primera mujer afroamericana en recibir una nominación al Óscar en la categoría mejor guion adaptado (Mudbound) junto a otras 3 nominaciones. Mudbound o El color de la guerra, como se tradujo al español, aborda la amistad de dos ex-soldados de la Segunda Guerra Mundial, en un contexto en el que impera el racismo.

Pariah cuenta la historia de Alike (Adepero Oduye), una joven afroamericana que debe enfrentar los prejuicios de su lesbianismo; mientras Bessi narra la turbulenta vida de la famosa cantante de blues, Bessie Smith, que saltó a la fama entre 1920 y 1930 y se convirtió en pionera del jazz y de las actuaciones en público mixto. Lectora ferviente, Rees dirigió su thriller Lo último que él quería (2020), basado en el libro del mismo título de Joan Didion. Actualmente trabaja en una ópera futurista y apta para niños titulada “Las exquisitas locuras del niño”, que narra la historia de un músico andrógino negro que intenta hacerse famoso.

Zhao Ting, segunda mujer en ganar el premio Óscar como mejor directora

Más conocida como Chloé Zhao, la guionista, productora y directora de cine es mundialmente reconocida por haber sido la segunda mujer en toda la historia reciente en ganar el premio Óscar como mejor directora. Zhao ha sido una cineasta admirada en la industria del cine independiente desde el estreno de su primera película Songs My Brothers Taught Me (2015). Con Nomadland (2020), un filme en el que una mujer, después de perderlo todo durante la recesión, se embarca en un viaje hacia el Oeste americano en una caravana, estuvo nominada a 6 premios Óscar.

Sus películas suelen explicar historias de comunidades que se conocen poco y lo hace de una manera muy personal, respetuosa y empática. Con Eternals (2021), en la que una raza de seres inmortales con poderes sobrehumanos que han vivido en secreto en la Tierra durante miles de años se ven envueltos en una fuerte amenaza contra humanidad, sella su primera gran producción con Marvel. 

Lulu Wang, la esencia de las relaciones familiares y culturales

Con un enfoque en historias íntimas y auténticas, Lulu Wang es conocida por su enfoque único y perspicaz en historias humanas complejas. Su habilidad para capturar la esencia de las relaciones familiares y culturales la ha establecido como una de las voces más importantes y prometedoras en la industria cinematográfica contemporánea. Su largometraje The Farewell (2019), una conmovedora película basada en sus propias experiencias familiares, la llevó a la fama.

La película, protagonizada por Awkwafina, aborda temas de identidad cultural, familia y la experiencia inmigrante a través de la lente de una familia china-americana que enfrenta una enfermedad terminal sin revelarle a la matriarca su diagnóstico. The Farewell recibió elogios de la crítica y fue nominada a numerosos premios, incluidos los Globos de Oro y los Premios Independent Spirit. Además de su trabajo en cine, Wang ha dirigido y producido contenido para televisión, incluidos episodios de series como Touch y Extant. Su estilo distintivo combina una narrativa emocionalmente resonante con una dirección cinematográfica sutil pero impactante.